Serena De Dominicis is an art historian and independent art critic. In 2016 she received a PhD in art history jointly from Toulouse Jean Jaurès University and the University of Rome Tor Vergata. Her thesis examines the relationship between contemporary art and Degrowth theories. In seminars and conferences, she presented her research on women’s issues during the interwar period, specifically during the 1930s, and on growth and Degrowth concepts in the art of the 21st century. She was an editor of the magazine Arte e Critica (2002–2010). Currently she is collaborating with Centro Studi Mafai Raphaël in Rome. She has published several articles on Antonietta Raphaël Mafai, contributed to her catalogues, and is the author of a monograph on her art.

Elisa Linseisen is a research assistant at the Institute for Media Studies at the University of Paderborn. 12/2019: Doctorate (Dr. phil.) with a dissertation on high definition digital imagery at the Ruhr-University Bochum. 2014–2019: Research assistant at the Institute for Media Studies at the Ruhr-University Bochum. 2016–2019: Research Assistant at the DFG Research Group Media and Mimesis. 2008–2013: Master’s Degree in Modern German Literature, Political Science and German Linguistics at the LMU Munich. Research interests, among others: Digital imagery, media philosophy, video essayism, format theory.

Daniel Berndt studied art history, philosophy, and social anthropology at Free University of Berlin. He was a PhD Fellow of the Photographic Dispositif graduate program at Braunschweig University of Art and a research associate at the German Literature Archive Marbach in the context of the research project “Politics of the Image: The portrait of the Author as Iconic Authorization”. Since 2019 he is a postdoctoral research assistant at the Institute of Art History, University of Zurich. From 2009 to 2012, he worked for the Arab Image Foundation in Beirut as its Research Center Coordinator. His writing has appeared in Springerin, Aperture and Frieze amongst other publications. His book Wiederholung als Widerstand? (Repetition as Resistance?) on the artistic (re-)contextualization of historical photographs in relation to the history of Palestine was published in 2018 by Transcript Verlag.

Julia Skelly teaches in the Department of Art History and Communication Studies at McGill University. Her publications include Wasted Looks: Addiction and British Visual Culture, 1751–1919 (2014), Radical Decadence: Excess in Contemporary Feminist Textiles and Craft (2017), and the edited collection The Uses of Excess in Visual and Material Culture, 1600–2010 (2014). Skelly’s next book, Skin Crafts: Affect, Violence and Materiality in Global Contemporary Art, is forthcoming from Bloomsbury Academic.

André Rottmann is a postdoctoral researcher and lecturer in modern and contemporary art at Freie Universität Berlin. Prior to joining the university’s Department of Art History in the spring of 2018, he was a researcher at its Center of Advanced Studies “BildEvidenz. History and Aesthetics” (2012–2016), a recipient of a PhD scholarships by the Gerda Henkel Foundation Düsseldorf (2011–2012/2016–2017) and the editor-in-chief of the journal Texte zur Kunst (2005–2010). Currently he is working on two book manuscripts devoted to the works of John Knight and Isa Genzken, respectively. His writings have appeared in journals such as October, Grey Room, Artforum, Cahiers d’Art and Texte zur Kunst as well as in anthologies and exhibition catalogues. Recent publications include essays on Gerhard Richter’s abstractions (for the catalogue accompanying the artist’s retrospective at the Metropolitan Museum of Art New York) and Maria Eichhorn’s real estate pieces (for a book documenting the artist’s project for documenta 14 to be released by the Migros Museum Zurich).

Rahma Khazam is a researcher, critic and art historian affiliated to Institut ACTE, Sorbonne Paris 1. Her interests span the fields of contemporaneity, modernism, image theory, speculative realism and new materialism. She publishes her research in edited volumes and academic journals, contributes to exhibition catalogues, and has edited a book on the work of the artist Franck Leibovici. A member of AICA (International Association of Art Critics), NECS (European Network for Cinema and Media Studies) and EAM (European Network for Avant-Garde and Modernism Studies), she received the AICA France Award for Art Criticism in 2017. 

Dominik Brabant is an art historian who has specialized and published on modern sculpture (especially Rodin), on the history of art criticism and art history (19th and 20th century) as well as on the history of genre painting. Between 2002 and 2008, he studied art history, psychology and English literature at the Ludwig-Maximilians-Universität in Munich and later in a Master program called “Aisthesis. Historische Kunst- und Literaturdiskurse“ (Universities of Eichstätt-Ingolstadt, Munich and Augsburg). In 2007/2008, he was an exchange student at the École Normale Supérieure in Paris (Rue d'Ulm). In 2008/2009, he was an annual fellow at the Deutsches Forum für Kunstgeschichte/Centre Allemand d'Histoire de l'Art. In 2011, he joined the Chair of Art History at the university of Eichstätt-Ingolstadt, where he teaches today as a lecturer (Akademischer Rat a.Z.).

Wouter Davidts lives and works in Antwerp. He teaches at the Department of Architecture & Urban Planning and the Department of Art History, Musicology and Theatre Studies of Ghent University (UGent). In 2015 he was awarded the Eduardo Chillida Professorship at the Art History Institute of the Goethe University in Frankfurt. He has published widely on the museum, contemporary art and architecture and is author of two volumes on museum architecture, Bouwen voor de kunst?  (A&S/books, 2006) and Triple Bond (Valiz, 2017). He is editor of such volumes as The Fall of the Studio (2009) and Luc Deleu – T.O.P. office: Orban Space (2012; with Stefaan Vervoort and Guy Châtel). He was the curator of The Corner Show (2015, Extra City Antwerp; with Mihnea Mircan and Philip Metten).
www.wouterdavidts.com 

Virtual conference, June 17 and 18, 2020
Hosts: Ursula Ströbele (Study Center for Modern and Contemporary Art at Zentralinstitut für Kunstgeschichte, Munich) / Susanne Witzgall (cx centre for interdisciplinary studies, Academy of Fine Arts Munich)

To participate, please register via e-mail by June 15th at Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!(subject: “Without Measure”) and we will send you an access link and further information.

The word ‘excess’ comes from the Latin verb ‘excedere,’ meaning ‘to step outside, to go beyond something.’ Whether something is perceived as excess depends on cultural-social and historical normative frameworks. Yet excess implies not only the transgression of orders of values, but also of ecological, social, and human capacities, and suggests immoderateness, insatiability, lack of restraint, debauchery, or deviation. Today our reality seems to be saturated by various excesses: exaggerated increases in efficiency, the unrestrained consumption and squandering of resources in the modern economy, the verbal excesses of politics, the research-based excesses of the production and modularization of artificial life, and the algorithmic excesses of an increasingly wired and digitalized world are just a few 21st century examples of this phenomenon, which often has a negative connotation. At the same time, play with and the transgression of limits as anthropological constants entices us with its promise of transcendent experience, the liberation from social constraints, and creative flights of fancy. The term ‘excessive’ can be used to describe a dimension of experience or perception, a stylistic criterion, or a practice that crosses borders. Excesses have traditionally always been at home in visual art, given that they often operate beyond social etiquette and norms, evoking states of euphoria and intoxication, but also critically reflecting on economic and sociopolitical conditions.

The symposium “Ohne Maß? Exzess(e) in der zeitgenössischen Kunst” (Without Measure? Excess[es] in Contemporary Art) aims to explore how the art of the 21st century has confronted the theme of “excess.” How do current art practices approach this ambivalent phenomenon at a time when new excessive modes of behavior and processes are emerging, or at any rate seem to be increasingly coming to the fore? This symposium is dedicated to excess as a multilayered object of artistic investigation, but also as an artistic strategy for the creative transgression of boundaries and resistant practice. In connection with the 2019/20 theme of “excess” at the cx center for interdisciplinary studies, the symposium is a cooperation between the cx center for interdisciplinary studies at the Academy of Fine Arts, Munich, and the Study Center for Modern and Contemporary Art at the Central Institute for Art History, Munich. Lectures and Discussions will be in English.

Wednesday, June 17, 2020

1:30 pm
Welcome and Introduction
Ursula Ströbele and Susanne Witzgall

2:00–4:00 pm
Panel 1: Excessive Art?

Wouter Davidts (Gent)
Out of Scale. Excessive Size in Contemporary Sculpture

Dominik Brabant (Eichstätt-Ingolstadt)
Excesses of the real? Christoph Büchel’s Barca Nostra and art criticism

4:00–4:30 pm
Coffee Break

4:30–6:30 pm
Panel 2: Excessive Esthetic and (Queer) Identities

Julia Skelly (Montreal)
Interrogating Art History’s Excesses: Mickalene Thomas and Queer Black Decadence

Daniel Berndt (Berlin/Zürich)
More than Extra – Drag and Queer Identities in Ryan Trecartin’s and Lizzy Fitch’s Video Works

Thursday, June 18, 2020

10.30 am–12.30 pm
Panel 3: Art and the Excess of Objects

Rahma Khazam (London/Paris)
On Objects and their Excesses

André Rottmann (Berlin)
Another Vision of Excess: The Case of Cameron Rowland

12.30 pm–1:30 pm
Break

1:30 pm–3:30 pm
Panel 4: Accumulation and Excesses of Information in the Arts

Elisa Linseisen (Paderborn)
Digital | Monumental. Excessive Data Processing in the Work of Ryoji Ikeda

Serena De Dominicis (Rome)
Excess. Art Faced to the Productivist Economic Model

3:30 pm–4:00 pm
Final Discussion

(Resisting) Extractivism

Artist and Theorists on Mining the Planet

öffentliche online Vortragsreihe (FU-Z1)

Dr. Susanne Witzgall in Kooperation mit dem Zeppelin Museum, Friedrichshafen; dem Museum für Arbeit, Hamburg, dem Grassi Museum für Völkerkunde, Leipzig und dem Deutschen Bergbau-Museum Bochum, Leibniz Research Museum für Geo-resourcen

online-Vortragsreihe

Zeit Dienstag 18.00–20:15 Uhr, Termine: 31.10., 21.11., 28.11. und 12.12.2023

Vortragssprache Englisch
Kontakt Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!

Extraktion im wörtlichen Sinne meint „das gewaltsame Entfernen von Rohstoffen und Lebensformen von der Oberfläche sowie aus den Tiefen und der Biosphäre der Erde“ (Mez­zarda/Neilson) und bezieht sich im Besonderen auf den Abbau von fossilen nicht er­neuerbaren Brennstoffen, Baumaterialien und seltenen Metallen. Extraktivismus erhebt diese Formen der Extraktion ebenso wie die Plünderung von Agrarland und Meeren, die Ausbeutung von gene­tischen Ressourcen, digitalen Daten oder Arbeitskräften zum Prinzip (Willow). Der Begriff bezeichnet insofern nicht nur ein bestimmtes Wirtschaftsmodell, dass sich vorrangig auf Rohstoffexporte konzentriert, sondern eine zentrale Logik des (neo)liberalen Kapitalismus, die der materiellen und immateriellen Akkumulation dient. Extraktivismus verzeichnet weltweit eine steigende Tendenz trotz seiner verheerenden ökologischen und ge­sellschaftlichen Bilanz.

Die Vortragsreihe „(Resisting) Extractivism“ vereint Künstler*innen und Theoretiker*innen, die angesichts dieses beunruhigenden Trends die extraktivistische Logik des globalisierten Kapitalismus einer erneuten kritischen Analyse unterziehen sowie widerständige Modelle und Praxen entwerfen. Die verschiedenen künstlerischen und wissenschaftlichen Ansätze untersuchen, wie die ausbeuterischen Me­chanismen des Extraktivismus operieren, mit welchen An- und Enteignungsstrategien diese verbunden sind und auf welche Weise sie in der Geschichte und anhaltenden Präsenz von Kolonialismus und Rassismus wurzeln. Sie führen die verheerenden Effekte eines exzessiven Extraktivismus vor Augen und imaginieren bzw. realisieren post-extraktivistische Lebensformen sowie oppositionelle ästhetische und politische Praktiken.

Die Vorlesungsreihe ist Bestandteil des Deutschlandweiten Projektes „Mining. Abbau der Zukunft“ („Mining. Extracting the Future“), an dem mehr als sechs Museen und zwei Universitäten mit Ausstellungen, Forschungsprojekten und Workshops beteiligt sind.

Dienstag, den 31. Oktober 2023, 18 Uhr

Extraktiver Kapitalismus / Extractive Capitalism

Armin Linke, Künstler, Fotograph und Filmemacher, Berlin 

Elizabeth Povinelli, Franz Boas Professorin für Anthropology und Gender Studies an der Columbia University 

Dienstag, den 21. November 2023, 18 Uhr

Abbau von Müll / Mining Waste

Design Earth (Rania Ghosn, El Hadi Jazairy), Spekulative Architekt*innen, Cambridge, MA/Ann Arbor, Michigan 

Myra J. Hird, Professorin an der School of Environmental Studies, Queen’s University, Canada

Dienstag, den 28. November 2023, 18 Uhr

Diese Veranstaltung entfällt leider!

Weiße Geologie / White Geology

Otobong Nkanga, Künstlerin, Antwerpen

Kathryn Yusoff, Professorin für Inhuman Geography, Queen Mary Universität, London

Dienstag, den 12. Dezember 2023, 18 Uhr

Dekoloniale Visionen I / Decolonial Visions I

Imani Jacqueline Brown, Künstlerin, Aktivistin, Forscherin, London 

Dienstag, den 16. Januar 2023, 18 Uhr

Decoloniale Visionen II / Decolonial Visions II

Macarena Gómez-Barris, Professorin für Moderne Kultur und Medien, Brown University, Providence

NEUER ZOOM Link: https://eu02web.zoom-x.de/u/ccAoGvW91V

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Strange Ecologies
öffentliche online-Vortragsreihe (FU-Z1)
moderiert und organisiert von Prof. Nils Norman und Susanne Witzgall
Zeit Dienstag oder Donnerstag 19.00–21.15 Uhr, Termine: 08.11., 22.11., 12.01, 24.01. und 26.01. (Nachbesprechung)
Registrierung unter: nDiese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!

Viele konventionellen Umwelt- und Nachhaltigkeitsbewegungen laufen mit ihrer normativen Perspektive auf die ‚Natur‘ Gefahr, geschlechtliche Binaritäten, weiße Vorherrschaft sowie patriarchale und kapitalistische Machtverhältnisse zu reproduzieren. Hinzu kommt die Tatsache, dass arme Menschen, Menschen mit Beeinträchtigung und People of Colour überdurchschnittlich stark unter den Belastungen der Ressourcenausbeutung, Umweltzerstörung und dem Klimawandel leiden. Sie tragen „die Bürde Toxizitäten ausgesetzt zu sein und die Gewalt der Erde abzupuffern“ (Kathryn Yusoff). Queere, feministische und dekoloniale Ansätze in Theorie, bildender Kunst und aktivistischer Praxis legen deshalb eine neue Vorstellung von Ökologie und eine andere Fürsorge für die Umwelt nahe, welche die Konstrukte von race, Klasse, Nationalität und Geschlecht und deren Naturalisierung radikal unterläuft (Nicole Seymour) und für jeden die Möglichkeit alternativer Zukünfte eröffnet.

Die Vortragsreihe Strange Ecologies widmet sich gegenwärtigen künstlerischen, wissenschaftlichen und aktivistischen Ansätzen, die Ökologie queeren und dekolonialisieren. Sie untersucht aktuelle Strategien normative Ansichten und vertraute Vorannahmen über die ‚Natur‘ und unser menschliches und mehr-als-menschliches Zusammenleben herauszufordern. Dabei geht es nicht nur um eine Kritik, sondern auch um die Thematisierung produktiver Praxen, sich anders als bisher mit der Umwelt in Beziehung zu setzen – sei es in Form einer alternativen kollektiven Landwirtschaft, einer Öko-Erotik oder eines anderen Umgangs mit versehrten Landschaften.

Dienstag, 8. November 2022
Ökologische Zukünfte queeren 
Lee Pivnik, Künstler, Institut of Queer Ecology, Miami
Nicole Seymour, Professor für Englische Literatur, California State University, Fullerton

Dienstag, 22. November 2022

Landwirtschaft dekolonialisieren

Fritz Haeg, Künstler, Salmon Creek Farm, Kalifornien
Carole Wright, Urbane Aktivistin, Gemeinschaftsgärtnerin, Bienenzüchterin und Gründungsmitglied von Blak_outside, London

Donnerstag, 12. Januar 2023
Zugehörigkeiten indigenisieren 
Kim TallBear, Professorin an der Fakultät für Native Studies, University of Alberta

Dienstag, 24. Januar 2023

Mit versehrten Ökologien leben 
Amanda Cachia, Kunsthistorikerin, Kuratorin und Autorin, San Diego
Tejal Shah, Künstlerin, PIr (Himachai Pradesh)

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Caring Co-Existence
Panel mit online-Vorträgen von Alexandra Daisy Ginsberg (London) und Paulo Tavares (Brasilia)
Freitag, den 22.10.2021, 17:30–20:00 Uhr
Teilnahme nur online möglich, bitte anmelden unter:  https://wiki.tum.de/x/fgf-Nw

Öffentliche Auftaktveranstaltung des hochschulübergreifenden Projekts „Cross Challenge I: Caring Co-Existence“ mit online-Vorträge der Londoner Künstlerin und Designerin Alexandra Daisy Ginsberg und des Brasilianischen Architekten und Urbanisten Paulo Tavares ein. Im Fokus des Abends steht die Frage, wie wir angesichts „kapitalistischer Ruinen“ (A. Tsing) und eines „zerstörten Planeten“ (D. Haraway) alternative Formen des Zusammenleben mit einer Vielfalt von Spezies imaginieren und erproben können. An die Vorträge schließt eine kurze Paneldiskussion im Hybrid-Format an. Um der Veranstaltung online beizuwohnen, bitten wir um eine Anmeldung unter  https://wiki.tum.de/x/fgf-Nw. Der Veranstaltungslink wird Ihnen dann rechtzeitig zugesendet. 

Cross Challenge ist ein gemeinsames transdisziplinäre Projektformat der Jungen Akademie der Technischen Universität München (TUMJA), der Akademie der Bildenden Künste (AdbK/cx), der Hochschule für Film und Fernsehen (HFF) sowie der Hochschule für Musik und Theater München (HMTM). Studierende dieser Hochschulen arbeiten in kleinen Gruppen an einem gemeinsa­men Projekt. Sie erhalten hierfür ein kleines Produktionsbudget, fachlichen Input von internationalen Expert*innen im Rahmen von Workshops und Vorträgen und werden von Do­zent*innen der Partnerhochschulen begleitet und unterstützt. Ziel des gemeinsamen projektbezogenen und kollaborativen Formats ist es, durch inter- und transdiszipli­näre Zusammenarbeit andere Perspektiven auf zentrale Fragestellungen unserer Zeit zu er­öffnen sowie neue Herangehensweisen und Praxisformen zu erproben.

Biographien der Vortragenden

Alexandra Daisy Ginsberg untersucht in ihrer künstlerischen Arbeit unser angespanntes Verhältnis zwischen Natur und Technologie. Sie arbeitete über 10 Jahre lang experimentell im Bereich der Synthetischen Biologie und entwickelte hier neue Rollen für Künstler*innen und Designer*innen. 2017 schloss Ginsberg ihren PhD by practice am Londoner Royal College of Art (RCA) ab, der sich um die Frage drehte, wie mächtige Träume von ‘besseren’ Zukünften Dinge formen, die gestaltet werden. Sie unterrichtete im Bereich Architektur an der University of Cambridge, war Gastdozentin an der Harvard University und erhielt ihren MA in Design Interactions am RCA. Daisy gewann den World Technology Award for design in 2011, die London Design Medal for Emerging Talent in 2012, und den Dezeen Changemaker Award 2019. Ihre Arbeiten wurden bereits international ausgestellt, beispielsweise im MoMA New York, dem Museum of Contemporary Art, Tokyo, dem National Museum of China, dem Centre Pompidou, Paris und der Royal Academy, London. Sie befinden sich außerdem in privaten und öffentlichen Sammlung wie dem Art Institute of Chicago, dem Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, und dem ZKM Karlsruhe. 

Paulo Tavares Ist Architekt, Autor und Dozent. Seine Arbeiten wurden weltweit in verschiedenen Museen ausgestellt und Publikationen veröffentlicht, beispielsweise im Harvard Design Magazine, der Oslo Architecture Triennial, der Istanbul Design Biennale, und der São Paulo Biennial. Er ist langjähriger Mitarbeiter von Forensic Architecture sowie Autor der Bücher Forest Law (2014), Des-Habitat (2019) und Memória da terra (2020). 2019 war er Co-Kurator der Chicago Architecture Biennial. Tavares Design- und Lehrpraxis umfassen verschiedene Territorien, soziale Geographien und Medien. Er unterrichtete Design und visuelle Kultur an der Fakultät für Architektur, Design und Kunst an der Pontifical Catholic University of Ecuador in Quito und leitete vorher das MA Programm am Centre for Research Architecture am Goldsmith College, London. Im Moment unterrichtet er räumliche und visuelle Kulturen an der University of Brasília in Brasilien und leitet die Agentur autonoma (gegr. 2017), eine Plattform für Stadtforschung und urbane Interventionen.